Dadaísmo

¿Cuándo?

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

¿Qué?

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

¿Cómo?
El dadaismo es un movimiento que integra distintas técnicas: collage y décollage, usando diversos materiales, como papeles, diarios, madera, etiquetas, etc. Utiliza una expresión libre de la forma artística, elimina la composición clásica. Tiene una temática en la que predominan los mecanismos absurdos. "Anti arte", despreciando lo retórico y academicista.
Además se caracteriza por los fotomontajes con frases aisladas, recitales espontáneos, palabras, pancartas, etc. Su principal aportación es el ready-made, el cual se basa en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámito de lo artístico. 
¿Quienes?

Marcel Duchamp, nacido el 28 de julio de 1887, en Blainville-Crevon fue un artista. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

"La fuente" Marcel Duchamp - 1917

La Fuente (1917) es una obra de Marcel Duchamp. Duchamp expuso en el museo de Nueva York un orinal. Lo tituló como Fountain (La Fuente) y lo firmó "R. Mutt". Es una de las piezas que llamó readymades. Se trata del arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Ready-made también por el término objeto encontrado. En la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza declaró que todas las obras serían aceptadas, pero La Fuente no fue mostrada en realidad, y el orinal original se ha perdido. La obra es considerada por algunos como un hito importante en el arte del siglo 20. La réplicas por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

Fuentes:

http://www.arteespana.com/dadaismo.htm
http://locusamoenusinart.wikispaces.com/Pintura.+Dadaismo+y+Surrealismo
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)

Arte abstracto

¿Cuándo?

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

¿Qué?

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática

El arte abstracto es entonces, un estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y poder expresivo. El artista abstracto no imita modelos ni trabaja de acuerdo a la inspiración de tipo natural.

¿Cómo?

Muchos creen que el arte abstracto se caracteriza únicamente por el empleo exclusivo de formas geométricas y por su rechazo total de las referencias a la realidad perceptible. Pero esto no es cierto, pues su mayor característica es la manera de considerar, de ordenar y de comprender el universo.

Cabe destacar una importante e innovadora técnica muy utilizada por los artistas del Expresionismo abstracto americano, el “dripping”, que tiene como su principal representante a Jakson Pollok, quien hizo una muy buena utilización de ella en la mayoría de sus pinturas. Esta técnica consistía en dejar chorrear la pintura encina de la tela de una manera automática y violenta.

Así pues, en el arte abstracto no es el lenguaje geométrico lo que confiere su impulso innovador, sino el pensamiento matemático.

¿Quienes?

La Haya Piet Mondrian (1871-1944), fue un reconocido pintor holandés neoplasticista, conocido además por ser uno de los máximos exponentes de la abstracción. Dentro de su formación pictórica hubo un hecho que marcó su obra, el ingreso en la Sociedad Teosófica de Holanda, un movimiento místico filosófico que le suscitó el pensamiento de que el hombre debe dejar la individualidad para hallar la verdadera armonía universal.

"Composición rojo, amarillo y azul" Piet Mondrian

Mondrian desarrolló una pintura basada en la abstracción de la realidad objetiva. Fue el difusor del neoplasticismo, lo que se refleja en su obra a través de la reducción de las formas simples y la búsqueda de un plano esquemático que no sea perturbado por nada. Por otro lado, Mondrian fue miembro del movimiento De Stijil, lo que caracterizó su obra por la presencia de líneas negras, verticales y horizontales, y planos de colores primarios(que reflejan una total armonía del espacio), y que queda patente en composición en rojo,amarillo y azul.

Además, De Stijil, tenía como principios básicos, que el arte tenga comomisión buscar la armonía universal y ser una especie de lenguaje que exprese una forma de vidadistinta (sobre todo por la guerra sufrida en Holanda) 

Es decir, para Mondrian era imprescindible que el arte fuera una nueva plástica(neoplasticismo), que no imitara a la naturaleza, sino que se abstrajera de esta.

Fuentes:

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://definicion.de/abstracto/

http://arte-abstracta-andy.blogspot.com.ar/2010/05/caracteristicas-del-arte-abstracto.html

Futurismo

¿Cuando?

El futurismo nace en Italia, a principios del siglo XX entre 1909 y 1916, mientras que en Francia surgía el cubismo. Este surge bajo el impulso del poeta Marinetti como oposición al pasado. El automovilismo, la aviación, la vida moderna son temas que Marinetti propone a los artistas. 

¿Qué?

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que gira en torno a la figura de Marinetti, quien proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Es la propuesta más rupturista presentada hasta entonces aunque parte, desde el punto de vista formal, de las otras vanguardias. Niega la validez de todo lo que impide el futuro y la sociedad urbana industrial. El ruido es reivindicado como la música del futuro, el arco y la flecha son uno de sus elementos característicos y defienden la guerra como medio. 

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.

¿Cómo?

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Particularidades: 

• Exaltación de la originalidad.
• Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
• Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
• Utilización de formas y colores para generar ritmos.
• Colores resplandecientes
• Transparencias
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

¿Quienes?

Entre los muchos artistas que practicaron el futurismo, uno de los que más se destaco fue Umberto Boccioni. Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. 

"Dinamismo de un ciclista" Umberto Boccioni

En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista (c. 1913, Colección G. Mattioli, Milán), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.

Fuentes:
http://www.arteespana.com/futurismo.htm

http://alonsomerchan.blogspot.com.ar/2013/01/futurismo.html

http://www.ecured.cu/index.php/Futurismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195

Cubismo

¿Cuando?

El cubismo nace en Francia, en la primera década del siglo XX, como reacción al fauvismo. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. 

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con el arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores del arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana. 

¿Qué?

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

¿Cómo?

Los cubistas intentaron disociar la realidad reduciéndola a elementos geométricos: prisma, cilindro, esfera. Descompusieron las formas transponiéndolas en un plano como si se tomara un muñeco de trapo y se desarmara: los pedazos que nos quedan no se parecen al muñeco original, peros in duda son el muñeco. Lo mismo hacen los cubistas con las formas: quieren pintar las cosas no como las ven sino como saben que son. 

Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. 

A este estilo que descompone las formas en una inifinidad de planos se lo denminó cubismo analítico. Pronto éste se simplifica y da lugar al cubismo sintético, el cual se caracteriza por utilizar colores vivos y un solo plano. Esta nueva forma de cubismo se extendió rapidamente por el mundo. 

¿Quienes?

Los artistas más destacados del cubismo son: Fernand Leger, Pablo Picasso, Juan GRis, Andre Lhotte, entre otros. 

"El guernica" (1937) de Pablo Picasso - Óleo sobre lienzo (777x349cm)

"Guernica" es una pintura de Pablo Picasso del año 1937. Este cuadro gigante (3,5x7,8m) está disponible en Madrid en el Museo de Reina Sofía. En enero de 1937, el gobierno de España había encargado a Picasso a colaborar en el pabellón español para la Exposición Internacional de París. El bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937, dio la inspiración al artista de demostrar los horrores y sufrimiento de la guerra. Así es como se lo llamo "Guernica" en conmemoración de las victimas de dicho bombardeo. 

Esta obra expone el sufrimiento de las personas y animales. Hay 8 figuras representando diferentes escenas y emociones. Las imágenes están pintadas por medio de formas geométricas, existen varias perspectivas, el espacio está fragmentado. Las líneas son definidas y claras. El cuadro es blanco y negro con una gama variada de grises. Por medio de colores usados y de los contrastes se aumenta la gravedad de la escenas y los sentimientos expresados. 

Fuentes:

http://www.arteespana.com/cubismo.htm

Enciclopedia Arteca: para comprender el arte. Tomo 2

Fauvismo

¿Cuando?

El fauvismo surge en Francia, a principios del siglo XX, aparecen los primeros intentos de renovación y ruptura total con el arte del pasado. Un grupo de jóvenes artistas expone en el Salón de Otoño de París en 1905 -Matisse, Marquet, Derain, Dufy, Rouault- y su obra es tan diferente a la de los demás que un crítico francés los bautiza "fauves" (fieras). El movimiento fauve venía preparándose desde tiempo atrás; sus representantes se inspiraron en sus antecesores y buscaron nuevas formas de expresión en el arte primitivo. 

¿Qué?

El fauvismo se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve imprenta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio  generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberacion desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. 

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por "lo otro", encamina al fauvismo hacia un ambiente cada vez más vanguardista. 

¿Cómo?

Esta vanguardia se caracteriza por una exaltación del color para lo cual los artistas utilizan colores puros y a veces arbitrarios, por formas simples y planas. Su estilo pictórico utiliza colores contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal. Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artista, no siguiendo contornos perfectos ni lineas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. 

¿Quienes?

Los artistas que sobresalieron en esta vanguardia son: Henri matisse, André Derain, Maurice Vlamink, entre otros. 

"La felicidad de vivir" (1906)  Henri Marisse - Óleo sobre lienzo 175x241cm

Entre 1905 y 1906, Marisse, reconocido como uno de los aristas más importantes del siglo XX, realizó un óleo de grandes dimensiones (175x241cm), nombrado "La felicidad de vivir". Se expuso en el Salón de los Independientes y causó honda de impresión. El carácter mítico de la obra tiene 2 razones. En primer lugar, rompe con la trayectoria hasta ese momento mantenida por Matisse e inicia el lenguaje plástico queserá reconocido como propio del artista. Después, en segundo, perfila con claridad uno de los razgos centrales de la cultura del siglo XX, la alegria, dicha y felicidad de vivir, un rasgo que no por ser utópico ha perdido importancia. 

Fuentes:

http://es.slideshare.net/esconditepersonal/el-fauvismo-6459361

http://auladefilosofia.net/2008/11/03/henri-matisse/
http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/15084/Henri_Matisse
Enciclopedia Arteca: para comprender el arte - Tomo 2

Expresionismo

"El grito" Edvard Munch (1893) - Óleo, temple y pastel sobre cartón

Neoimpresionismo

"Una tarde de domingo en la Grande Jatte" Georges Seurat (1884-86) - Óleo sobre lienzo