Conclusión

El trabajo realizado para la materia Morfología Visual sobre la historia del arte a lo largo del siglo XIX y XX, me ha favorecido principalmente en materia intelectual, ya que pude lograr comprender mejor todos aquellos movimientos a los que ya había escuchado nombrar y, además, me informe sobre muchos más que no tuve nunca un espacio para conocerlos, por ejemplo el Futurismo. El movimiento artístico que más me gustó o pudo lograr atraerme es el Arte Pop, ya que realizan obras divertidas y me encantaron los temas que trata. Uno de los artístas que más me sorprendió fue Munch, ya que me fascina como logra provocar en el espectador el sentimiento de angustia y temor al ver sus obras, por ejemplo en "el grito". 

Y como cierre, me parece muy importante agregar que el trabajo me resultó muy interesante, a pesar de ser extenso, y el método utilizado me pareció muy conveniente. 

Neoexpresionismo

¿Cuándo?

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años 80´ en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.

¿Qué?

El neoexpresionismo fue un movimiento artístico que recupera modelos propios del expresionismo. Sus fuentes de inspiración fueron muy variadas, ya que no solo toman elementos del expresionismo sino que también de movimientos anteriores al signo contrario. De esta mezcla lograron crear un producto nuevo, cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. Este aspecto es muy común en otros movimientos europeos contemporáneos. Su objetivo principal es proponer retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinando por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.

¿Cómo?

El neoexpresionismo se caracteriza por:

• Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
• Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
• Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
• Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
• Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
• Ejecución de trazos amplios.
• Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
• Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
• Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
• Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

¿Quiénes?

Jörg Immendorff, nacido el 14 de junio de 1945, fue un pintor neoexpresionista alemán. Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los pintores alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados nuevos fauves. Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970 titulada Café Deutschland, donde trataba la división entre la República Federal de Alemania y la República Democrática. Amigo personal del ex Canciller de Alemania, Gerhard Schröder, uno de sus últimos trabajos fue la realización de un retrato del mismo una vez concluido su mandato para la denominada Galería de los cancilleres en Berlín. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

En el ámbito político, fue un maoísta confeso, muy crítico con el pasado nazi alemán y un ferviente defensor de la protección del medio ambiente.

"Solo" Jorg Immendorff (1988)

Fuente:

http://www.ecured.cu/index.php/Neoexpresionismo
http://artesneo-expresionismo.blogspot.com.ar/
http://www.artfacts.net/es/artista/jorg-immendorff-1177/obras-de-arte.html

Hiperrealismo

¿Cuándo?

El hiperrealismo surge en el siglo XX. Finales de los años 60 y principios de los 70. Los artistas de este movimiento, surgido principalmente en Estados Unidos encontraron en la fotografía el medio para desarrollar sus obras e incluso, según ellos, hacer la realidad más real de lo que la fotografía la representa. Artistas como Chuck Close, Richard Estes, Malcolm Morley, Gerhard Richter, Richard McLean, Robert Cottingham, Claudio Bravo.

¿Qué?

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. 

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. No se centran en la naturaleza, ni en el pasado como incentivo para hacer sus obras. Se caracteriza en que los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y mágicos y se centraron en temas más corrientes. 

¿Cómo?

En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

¿Quiénes?

Don Eddy es conocido principalmente como un pintor hiperrealista cuyos trabajos anteriores a los años 70 fueron un homenaje al coche y el paisaje urbano. En los años 80 sus obras estuvieron más bien orientadas a objetos, como cristalerías, cubiertos y juguetes colocados en una serie de estantes de cristal reflectante. Las obras del artista de la década pasada se han basado en los misterios de la vida a través de exploraciones de la naturaleza y el mundo que le rodea. A menudo compuesta de dípticos o polípticos (pinturas con varios paneles), que yuxtapone imágenes en una relación poética entre sí ", haciéndose eco de los ecosistemas", como el artista llama a estas conexiones de la estructura. Sus pinturas están impregnadas de una atmósfera de meditación, de calma y tranquilidad. Son como un "Cántico para un mundo pequeño", un poema sinfónico visual.

"Sin titulo" Don Eddy - 1971

Pop Art

¿Cuándo?

El arte pop o pop-art, se podría decir que surge poco antes de 1960 en Estados Unidos e Inglaterra. Su origen está en el pueblo y sus intereses, de los cuales se nutre un movimiento artístico emergente que se da en llamar arte popular.

La inspiración de la que se sirve es el mundo de la comunicación de masas; carteles, anuncios publicitarios, objetos de la vida cotidiana, etiquetas o embalajes de productos de consumo habitual por la sociedad son elementos utilizados constantemente en el arte pop y eso constituye la característica principal de este movimiento.

¿Qué?

El término “Pop-Art” se empleó por primera vez en 1958 por el crítico Laurence Alloway, tratando de definir obras de artistas como Richard Hamilton. Poco a poco se fue generalizando para describir una corriente que emergía tomando como base para su obra imágenes populares. Se podría decir que fue el sucesor del dadaísmo.

Las afirmaciones de dos exponentes destacados del arte pop nos ayudan aún más a comprender la filosofía de este movimiento:

Andy Warhol: “La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina”

Richard Hamilton: “El arte debe ser efímero, popular, barato, producido en serie, joven e ingenioso”

El arte pop es en definitiva, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.

¿Cómo?

Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Este es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar. Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.

En el fondo estaban tomando prestados los íconos más representativos de la sociedad de la cultura popular de finales de la década del cincuenta.

Debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía

Con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea, muestra de lo cual son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse Tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell; todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

¿Quiénes?

Provocador, frívolo, mordaz, brillante, a veces irritante y siempre audaz e inteligente, Warhol fue el auténtico gurú del Pop, el Papa -como el mismo ironizaba- de una corriente que explotó hasta sus últimas consecuencias y de la que funcionó como símbolo y mascarón de proa, abarcando todas sus posibilidades expresivas y utilizando todos los medios y técnicas a su alcance. De sus factorías, como llamaba sin pudor a sus talleres, subrayando explícitamente la génesis industrial y el fin comercial de sus obras, salieron durante más de treinta años las imágenes y los objetos más conocidos del pop art : sus botes de sopas Campbell, sus iconos de Marylin, sus cocacolas, sus revólveres, sus Maos, etc.  Cultivó su propia imagen con la misma mercadotécnica publicitaria que su obra. Fue a su modo un dadá, salvo que sin el espíritu crítico y subversivo de éste, disfrutaba provocando con actos y declaraciones que demuestran su secreta admiración por el último Dalí. Comprar -dijo una vez- es mucho más americano que pensar, y yo soy el colmo de lo americano. En su visita a Madrid en 1983 recorrió el museo del Prado en diez minutos, sin mirar un solo cuadro, y sólo se interesó por la obra de un copista. Su filosofía explícita era que el arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte.  Warhol se esforzó siempre por hacer realidad el principio de que el arte no es más que lo que los espectadores consumen.  Imágenes de consumo en serie en las que la firma del autor es ya una marca registrada.  Aunque no se puede considerar que Warhol innovara nada del arte y la estética en sentido estricto, su obra no ha dejado de tener repercusiones e importancia en le arte del fin del siglo XX. 

"John Lennon" Andy Warhol 

Fuente:

http://www.anuncios.us/anunciar/anuncios/el-origen-del-pop-art-brooklyn/
http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/tcnicas-pop-art.html
http://www.ctv.es/USERS/borobar/warhol.htm

Op Art

¿Cuándo?

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. Este surge a continuación del surrealismo en la década del '50 para acentuarse en los '60. Esta corriente artística precede primero en Europa, porque fue ahí donde se vivieron las primeras experiencias sobre la percepción de imágenes fijas o en movimiento, pero fue en EE.UU su punto de desarrollo y masificación de abril del año 1958.

¿Qué?

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente.

¿Cómo?

Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

¿Quienes?

Victor Vasarely, nació en Pécs, Hungría el 9 de abril de 1906, es un artista al que se ha considerado a menudo como padre del Op Art. En 1930, comenzó a trabajar en París como diseñador gráfico, unos años más tarde, desarrolla su primer trabajo mayor, "Zebra", que se concidera hoy en día la primera obra de Op Art.

"Zebra" Victor Vasarely

Dentro de las obras de Victor Vasarely, "Zebra", es denominada la más importante de todas ellas. Es una obra de 52x60cm. Fue realizada en 1939. Es una de las obras más destacadas de Victor Vasarely. En ella se puede apreciar el uso de curvas que le dan un movimiento al conjunto de líneas blancas y negras que está inspirado en unas cebras jugando, para que se pueda apreciar bien el contraste de las líneas blancas y negras estas se han pintado sobre un fondo negro.

Fuentes:

http://historiadelarteee.blogspot.com.ar/2011/02/op-art.html
http://www.buenastareas.com/ensayos/Historia-Op-Art/2965105.html
http://es.scribd.com/doc/34890081/Victor-Vasarely-Op-Art
http://historiavictorvasarely.blogspot.com.ar/

Surrealismo

¿Cuando?

El surrealismo surge en Francia, en la década del año 1920, tras la Gran Guerra, acontecida entre 1914 y 1918, el mundo occidental sufrió una completa transformación. Tuvo lugar en esta época una serie de rupturas interrelacionadas: en lo político, lo económico, lo social; y también en el campo de las artes. Estas rupturas fueron motivadas principalmente por el cuestionamiento del modo de vida y de pensamiento: lo juzgado razonable anteriormente es puesto en duda tras la guerra, si había conducido a tal sinrazón, no valía de ninguna manera el respeto y la fidelidad; pero también por otras novedades: el transporte cambia y reduce los límites geográficos del mundo; comienza la producción industrial seriada; Freud empieza a demoler la antigua imagen monolítica de la conciencia del hombre: el hombre se descubre ilógico, inconstante y sometido a fuerzas inconscientes; Einstein inicia la especulación que concluirá en la hipótesis de un espacio, un tiempo y una gravitación interdependientes que reelaborará el universo, considerado a partir de ahora como “finito” e “ilimitado”.

¿Qué?

Los surrealistas dieron una importancia primordial al tema de los cuadros. En sus obras realizan extrañas asociaciones de ideas, sueños, pesadillas e imaginaciones, inspirados en los mecanismos del inconsciente. El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.

¿Cómo?

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

¿Quienes?

Salvador Dalí, nacido el 11 de mayo de 1904, fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

"La persistencia de la memoria" Salvador Dalí - 1931 - Óleo sobre lienzo

"La persistencia de la memoria" es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. 

Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales).

Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando".

Fuente:

http://theorein.wordpress.com/2011/03/30/el-nacimiento-del-surrealismo/

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria

Dadaísmo

¿Cuándo?

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

¿Qué?

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

¿Cómo?
El dadaismo es un movimiento que integra distintas técnicas: collage y décollage, usando diversos materiales, como papeles, diarios, madera, etiquetas, etc. Utiliza una expresión libre de la forma artística, elimina la composición clásica. Tiene una temática en la que predominan los mecanismos absurdos. "Anti arte", despreciando lo retórico y academicista.
Además se caracteriza por los fotomontajes con frases aisladas, recitales espontáneos, palabras, pancartas, etc. Su principal aportación es el ready-made, el cual se basa en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámito de lo artístico. 
¿Quienes?

Marcel Duchamp, nacido el 28 de julio de 1887, en Blainville-Crevon fue un artista. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

"La fuente" Marcel Duchamp - 1917

La Fuente (1917) es una obra de Marcel Duchamp. Duchamp expuso en el museo de Nueva York un orinal. Lo tituló como Fountain (La Fuente) y lo firmó "R. Mutt". Es una de las piezas que llamó readymades. Se trata del arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Ready-made también por el término objeto encontrado. En la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza declaró que todas las obras serían aceptadas, pero La Fuente no fue mostrada en realidad, y el orinal original se ha perdido. La obra es considerada por algunos como un hito importante en el arte del siglo 20. La réplicas por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

Fuentes:

http://www.arteespana.com/dadaismo.htm
http://locusamoenusinart.wikispaces.com/Pintura.+Dadaismo+y+Surrealismo
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)

Arte abstracto

¿Cuándo?

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

¿Qué?

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática

El arte abstracto es entonces, un estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y poder expresivo. El artista abstracto no imita modelos ni trabaja de acuerdo a la inspiración de tipo natural.

¿Cómo?

Muchos creen que el arte abstracto se caracteriza únicamente por el empleo exclusivo de formas geométricas y por su rechazo total de las referencias a la realidad perceptible. Pero esto no es cierto, pues su mayor característica es la manera de considerar, de ordenar y de comprender el universo.

Cabe destacar una importante e innovadora técnica muy utilizada por los artistas del Expresionismo abstracto americano, el “dripping”, que tiene como su principal representante a Jakson Pollok, quien hizo una muy buena utilización de ella en la mayoría de sus pinturas. Esta técnica consistía en dejar chorrear la pintura encina de la tela de una manera automática y violenta.

Así pues, en el arte abstracto no es el lenguaje geométrico lo que confiere su impulso innovador, sino el pensamiento matemático.

¿Quienes?

La Haya Piet Mondrian (1871-1944), fue un reconocido pintor holandés neoplasticista, conocido además por ser uno de los máximos exponentes de la abstracción. Dentro de su formación pictórica hubo un hecho que marcó su obra, el ingreso en la Sociedad Teosófica de Holanda, un movimiento místico filosófico que le suscitó el pensamiento de que el hombre debe dejar la individualidad para hallar la verdadera armonía universal.

"Composición rojo, amarillo y azul" Piet Mondrian

Mondrian desarrolló una pintura basada en la abstracción de la realidad objetiva. Fue el difusor del neoplasticismo, lo que se refleja en su obra a través de la reducción de las formas simples y la búsqueda de un plano esquemático que no sea perturbado por nada. Por otro lado, Mondrian fue miembro del movimiento De Stijil, lo que caracterizó su obra por la presencia de líneas negras, verticales y horizontales, y planos de colores primarios(que reflejan una total armonía del espacio), y que queda patente en composición en rojo,amarillo y azul.

Además, De Stijil, tenía como principios básicos, que el arte tenga comomisión buscar la armonía universal y ser una especie de lenguaje que exprese una forma de vidadistinta (sobre todo por la guerra sufrida en Holanda) 

Es decir, para Mondrian era imprescindible que el arte fuera una nueva plástica(neoplasticismo), que no imitara a la naturaleza, sino que se abstrajera de esta.

Fuentes:

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://definicion.de/abstracto/

http://arte-abstracta-andy.blogspot.com.ar/2010/05/caracteristicas-del-arte-abstracto.html

Futurismo

¿Cuando?

El futurismo nace en Italia, a principios del siglo XX entre 1909 y 1916, mientras que en Francia surgía el cubismo. Este surge bajo el impulso del poeta Marinetti como oposición al pasado. El automovilismo, la aviación, la vida moderna son temas que Marinetti propone a los artistas. 

¿Qué?

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que gira en torno a la figura de Marinetti, quien proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Es la propuesta más rupturista presentada hasta entonces aunque parte, desde el punto de vista formal, de las otras vanguardias. Niega la validez de todo lo que impide el futuro y la sociedad urbana industrial. El ruido es reivindicado como la música del futuro, el arco y la flecha son uno de sus elementos característicos y defienden la guerra como medio. 

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.

¿Cómo?

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Particularidades: 

• Exaltación de la originalidad.
• Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
• Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
• Utilización de formas y colores para generar ritmos.
• Colores resplandecientes
• Transparencias
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

¿Quienes?

Entre los muchos artistas que practicaron el futurismo, uno de los que más se destaco fue Umberto Boccioni. Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. 

"Dinamismo de un ciclista" Umberto Boccioni

En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista (c. 1913, Colección G. Mattioli, Milán), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.

Fuentes:
http://www.arteespana.com/futurismo.htm

http://alonsomerchan.blogspot.com.ar/2013/01/futurismo.html

http://www.ecured.cu/index.php/Futurismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195

Cubismo

¿Cuando?

El cubismo nace en Francia, en la primera década del siglo XX, como reacción al fauvismo. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. 

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con el arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores del arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana. 

¿Qué?

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

¿Cómo?

Los cubistas intentaron disociar la realidad reduciéndola a elementos geométricos: prisma, cilindro, esfera. Descompusieron las formas transponiéndolas en un plano como si se tomara un muñeco de trapo y se desarmara: los pedazos que nos quedan no se parecen al muñeco original, peros in duda son el muñeco. Lo mismo hacen los cubistas con las formas: quieren pintar las cosas no como las ven sino como saben que son. 

Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. 

A este estilo que descompone las formas en una inifinidad de planos se lo denminó cubismo analítico. Pronto éste se simplifica y da lugar al cubismo sintético, el cual se caracteriza por utilizar colores vivos y un solo plano. Esta nueva forma de cubismo se extendió rapidamente por el mundo. 

¿Quienes?

Los artistas más destacados del cubismo son: Fernand Leger, Pablo Picasso, Juan GRis, Andre Lhotte, entre otros. 

"El guernica" (1937) de Pablo Picasso - Óleo sobre lienzo (777x349cm)

"Guernica" es una pintura de Pablo Picasso del año 1937. Este cuadro gigante (3,5x7,8m) está disponible en Madrid en el Museo de Reina Sofía. En enero de 1937, el gobierno de España había encargado a Picasso a colaborar en el pabellón español para la Exposición Internacional de París. El bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937, dio la inspiración al artista de demostrar los horrores y sufrimiento de la guerra. Así es como se lo llamo "Guernica" en conmemoración de las victimas de dicho bombardeo. 

Esta obra expone el sufrimiento de las personas y animales. Hay 8 figuras representando diferentes escenas y emociones. Las imágenes están pintadas por medio de formas geométricas, existen varias perspectivas, el espacio está fragmentado. Las líneas son definidas y claras. El cuadro es blanco y negro con una gama variada de grises. Por medio de colores usados y de los contrastes se aumenta la gravedad de la escenas y los sentimientos expresados. 

Fuentes:

http://www.arteespana.com/cubismo.htm

Enciclopedia Arteca: para comprender el arte. Tomo 2

Fauvismo

¿Cuando?

El fauvismo surge en Francia, a principios del siglo XX, aparecen los primeros intentos de renovación y ruptura total con el arte del pasado. Un grupo de jóvenes artistas expone en el Salón de Otoño de París en 1905 -Matisse, Marquet, Derain, Dufy, Rouault- y su obra es tan diferente a la de los demás que un crítico francés los bautiza "fauves" (fieras). El movimiento fauve venía preparándose desde tiempo atrás; sus representantes se inspiraron en sus antecesores y buscaron nuevas formas de expresión en el arte primitivo. 

¿Qué?

El fauvismo se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve imprenta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio  generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberacion desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. 

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por "lo otro", encamina al fauvismo hacia un ambiente cada vez más vanguardista. 

¿Cómo?

Esta vanguardia se caracteriza por una exaltación del color para lo cual los artistas utilizan colores puros y a veces arbitrarios, por formas simples y planas. Su estilo pictórico utiliza colores contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal. Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artista, no siguiendo contornos perfectos ni lineas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. 

¿Quienes?

Los artistas que sobresalieron en esta vanguardia son: Henri matisse, André Derain, Maurice Vlamink, entre otros. 

"La felicidad de vivir" (1906)  Henri Marisse - Óleo sobre lienzo 175x241cm

Entre 1905 y 1906, Marisse, reconocido como uno de los aristas más importantes del siglo XX, realizó un óleo de grandes dimensiones (175x241cm), nombrado "La felicidad de vivir". Se expuso en el Salón de los Independientes y causó honda de impresión. El carácter mítico de la obra tiene 2 razones. En primer lugar, rompe con la trayectoria hasta ese momento mantenida por Matisse e inicia el lenguaje plástico queserá reconocido como propio del artista. Después, en segundo, perfila con claridad uno de los razgos centrales de la cultura del siglo XX, la alegria, dicha y felicidad de vivir, un rasgo que no por ser utópico ha perdido importancia. 

Fuentes:

http://es.slideshare.net/esconditepersonal/el-fauvismo-6459361

http://auladefilosofia.net/2008/11/03/henri-matisse/
http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/15084/Henri_Matisse
Enciclopedia Arteca: para comprender el arte - Tomo 2

Expresionismo

"El grito" Edvard Munch (1893) - Óleo, temple y pastel sobre cartón

Neoimpresionismo

"Una tarde de domingo en la Grande Jatte" Georges Seurat (1884-86) - Óleo sobre lienzo

Postimpresionismo

¿Cuándo?

El postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. En 1886, fecha de la 8° exposición de los impresionistas, comienza a disolverse este movimiento y se inicia uno nuevo que toma la vanguardia de la pintura, llamado postimpresionismo. En esta nueva corriente se incrementaran todos aquellos artistas que no se sienten satisfechos con el impresionismo. 

¿Qué?

El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación completa de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. 

Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, Van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence. Los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas y reaccionaron contra el deseo de reflejar finalmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. 

El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. 

¿Cómo?

- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético.

- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos.

- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas. 

- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas. 

- Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados. 

- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior. 

- Interés por lo exótico y bajos fondos.

- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos. 

¿Quiénes? 

Algunos de los grandes artistas del postimpresionismo son: Paul Gauguin, Paul Cézanne, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, entre otros. Uno de los más destacados fue Paul Cézanne, nacido el 19 de enero de 1839 en Francia, fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso solo de forma ocasional. 

"Los jugadores de cartas" Paul Cézanne (1894-1895) Óleo sobre lienzo. 47,5x57cm

En "Los jugadores de cartas", obra plenamente figurativa, donde los protagonistas son campesinos de Aix-en-Provence, llega a una pintura despojada de la anécdota. Las formas se representan simples y contundentes, los colores sobrios, los contornos de figuras en negro las aíslan del entorno en que se encuentran, los personajes parecen ensimismados. 

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo

http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/el-postimpresionismo.html

http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo

Enciclopedia Arteca: para comprender el arte - Tomo 2

Impresionismo

¿Cuando?

El movimiento pictórico impresionista surge en Europa, principalmente en Francia, a partir de la segunda mitad del siglo XIX. Durante el surgimiento del impresionismo, Francia estaba bajo el mandato de Luis Napoleón Bonaparte, quien adquirió el control de casi toda Europa Occidental y Central. Además, se produce la guerra franco-prusiana y Francia es derrotada en la batalla de Sedán en 1871. 

¿Qué?
El impresionismo en la pintura partió del desacuerdo de algunos artistas con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. 
Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre  los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. 
¿Cómo?
Eliminaron los detalles minuciosos y tan solo sugirieron las formas, utilizando para ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas. 
¿Quienes?
Entre todos los artistas impresionistas uno de los que más se destacó fue Claude Monet. Monet, nacido el 14 de noviembre de 1840 en París, fue uno de los fundadores de la pintura impresionista. Este llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Hacia 1859, Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860, se le asoció con el pintor pre- impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional de línea del arte oficial. En 1874, Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. 

"Impresión, salida del sol" Claude Monet, (1872)- Óleo sobre lienzo 48x63cm.


"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, una impresión que me dio. He reproducido una impresión en Le Havrem, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo.. me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan impresión"

Claude Monet

Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua. 
Fuentes:
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=315
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo#T.C3A9cnica_y_est.C3.A9tica_impresionista
http://www. alu.ua.es/m/mjbc4/impresionismo.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n._sol_naciente
http://www.deseoparender.com/Monet/index.php?gallery=.$image=Ipresion%20salida%20sol%20.jpg